MOMENTO MUSICAL

UN GRANDE DEL JAZZ EN LIMA

Es poco común recibir una visita importante del mundo del jazz, ese género ancestral y de evolución permanente tan incomprendido en nuestro medio. A pesar de que los aficionados a esta música, que esconde los secretos de casi todas las músicas populares, los incorpora, los revuelve y los transforma en algo nuevo, se cuentan por miles en Lima, aun es percibida como difícil de entender, poco accesible a las mayorías, nada atractiva para el público en general. Salvo que venga envasada en algún formato menos complejo, como ese sub-género denominado "smooth jazz" que termina simplificando - a veces, no siempre - a niveles oprobiosos el verdadero sentido de lo que significa tocar jazz, y escucharlo.

El jazz es de origen humilde y pobre, y fue practicado entre esclavos negros que se expresaban a través de este formato libre, de raíces africanas que prácticamente desde su aparición inició una evolución multiforme y que lo mantiene vigente aun en nuestros días. Ni siquiera las modas ni las tendencias comerciales consiguen anular la esencia real del jazz, esa que se mueve con absoluta facilidad entre la sofisticación y la sencillez, entre la complejidad más exigente y el minimalismo más estricto, entre el cálculo académico y la improvisación natural.

Todo eso es lo que trae Chick Corea a Lima, tras una carrera larga y prolífica. Músico inquieto, experimentador, de ilimitadas capacidades para la ejecución y la composición, Corea ha atravesado por todos los caminos que el jazz le ofreció y prácticamente ha compuesto y grabado en todos los estilos de jazz existentes: be-bop, latin jazz, avant-gard, jazz-rock, fusión, jazz contemporáneo, etc. Su discografía, en estudio y en vivo, pasa largamente los 100 títulos y cada una de sus etapas estilísticas ha dejado una marca en la historia de la música. Un grande entre los grandes va a tocar en Lima este sábado.

Tema: My one and only love, del álbum Now he sings now he sobs de 1968: Chick Corea (piano), Miroslav Vitous (bajo), Roy Haynes (batería)

Cuando uno habla de jazz, tiene que hablar inevitablemente de Miles Davis, el genial trompetista que dirigió los caminos del jazz a cada cambio de década. Y cuando uno habla de Miles Davis, tiene que hablar inevitablemente de In a silent way (1969) y Bitches brew (1970), los álbumes que dieron la vida al movimiento del jazz-rock. Y en esos álbumes, el piano y toda esa maraña de teclados y sintetizadores fueron tocados por Chick Corea. Para ese entonces, Corea (de ascendencia ítalo-española) ya era un pianista establecido en la escena musical, con algunos discos en el mercado, hoy considerados clásicos: Now he sings, now he sobs (1968) y Sundance (1969) habían mostrado al mundo a un joven pianista con un talento alucinante para la improvisación y la creación sobre las teclas. Cuando conoció a Miles, de quien coleccionaba sus discos cuando era un adolescente, ingresó a otra galaxia, de la que saldría con enseñanzas fundamentales para sus posteriores proyectos.

Corea en su época de vanguardia, con look Santana en Woodstock, cuando era miembro de la banda de Miles Davis (año 1971, período Bitches brew)

De la escuelita del negro Miles surgieron las tres puntas de lanza del movimiento conocido como jazz-rock (algunos lo llaman "fusión", aunque en esencia pueden llegar a catalogarse como dos cosas distintas): Weather Report, liderado por Joe Zawinul y Wayne Shorter; The Mahavishnu Orchestra, de John McLaughlin y Billy Cobham; y Return To Forever, de Chick Corea. Todos habían tocado con Miles y se habían nutrido de su locura, de su sentido de la innovación, de su seguridad e independencia para componer, grabar y tocar lo que se le diera la gana, sin detenerse a calcular si eso le traería éxitos o fracasos. Return To Forever empezó como un proyecto ligeramente conectado con el bossa nova (estuvieron Flora Purim y Airto Moreira en la formación original) pero fue en su segunda etapa que pasarían a la inmortalidad jazzística. Chick Corea (teclados, pianos), Al diMeola (guitarra), Stanley Clarke (bajo) y Lenny White (batería) rompieron hasta los esquemas planteados por el rock progresivo con su extremado virtuosismo, sus estructuras complejas, sus épicas instrumentales. Para rememorar su gloria pasada, los cuatro se reunieron en el 2008 para una gira mundial, que fue todo un éxito.

Return To Forever en 1976, tocando Sorceress

En la segunda mitad de los 70s, Corea continuó haciendo historia con sus grabaciones como solista, sus trabajos a dúo con Gary Burton (vibráfono) y Herbie Hancock (un indispensable de este período es el disco An evening in concert with Herbie Hancock & Chick Corea de 1978) y los primeros coqueteos con la música clásica, como lo registran sus producciones junto al pianista y director de orquesta austríaco Friedrich Gulda, uno de los músicos académicos que más se acercó a las expresiones populares en aquellos años.

Durante los 80s y los 90s, Chick Corea se dedicó a un nuevo proyecto, siempre en el límite del jazz y el rock: The Elektric Band. Originalmente, la banda la completaron John Patitucci (bajo), Dave Weckl (batería), Scott Henderson (guitarra) y Eric Marienthal (saxo) y tuvieron gran éxito entre la crítica especializada. Con los dos primeros, Corea lanzó The Akoustic Band, donde exploró nuevamente en el terreno romántico, con composiciones de profunda sensiblidad. Siempre junto a Patitucci y Weckl, Corea lanzó un par de álbumes más como The Akoustic Band, entre ellos un homenaje al compositor de la música de Charlie Brown, el pianista italiano Vince Guaraldi. Grandes músicos de la escena jazzística pasaron por el proyecto Elektric/Akoustic, entre ellos Frank Gambale (guitarra), Vinnie Colaiuta (batería) y Víctor Wooten (bajo).

The Akoustic Band tocando Spain, la composición más conocida de Chick Corea, originalmente lanzada en Light as a feather, la segunda producción de Return To Forever (1972)

En los últimos diez años, Chick Corea se ha mantenido muy activo musicalmente, realizando múltiples giras y grabaciones, como solista, dúo, trío y hasta un grupo que ensambló recientemente, denominado The 5 Piece Band. El espíritu aventurero de este extraordinario músico no le permite seguir un camino exclusivo por lo que se le puede ver compartiendo estudios y escenarios con diversos personajes del mundo musical como Paco de Lucía, Pat Metheny, Bobby McFerrin, Bela Fleck y un largo etcétera. Luego de la exitosa reunión de Return To Forever, registrada en CD y DVD, Corea ha venido explorando otra de sus pasiones: la música clásica y contemporánea, realizando adaptaciones de compositores como Mozart, Bartok, entre otros, así como presentando sus propias obras como un concierto para piano y otro para cuarteto de cuerdas.

Aquí junto a Bobby McFerrin, haciendo un clásico, Round midnight de Thelonious Monk

En suma, tenemos ante nosotros una parte fundamental de la historia del jazz contemporáneo y su concierto será, sin lugar a dudas, uno de los acontecimientos musicales más importantes de la ola de conciertos que están produciéndose en nuestra capital desde hace ya tres años.

MUNICIPALIDAD DE LIMA vs. BARRANCO

Continúan los abusos. A pesar de que las evidencias son tan grandes que ya resulta imposible negarlas con respecto a los problemas del Metropolitano, que no se limitan a la corruptela detrás de los presupuestos inflados sino que además incluye vergonzosas fallas en el diseño de la obra (los paraderos nunca se terminan, los buses chocan, los corredores están pésimamente medidos, etc.), a la Municipalidad de Lima todavía le quedan ganas de enviar a sus impresentables agentes de desinformación a mentir descaradamente sobre la situación puntual de varias calles barranquinas. Esta vez fue en el programa La Hora N, dirigido por el periodista Jaime de Althaus.

Ayer lunes 24 de mayo, de Althaus tuvo como invitado en su programa al señor Javier Baraybar, Gerente de Transportes de la comuna limeña y defensor acérrimo de todo lo que diga o deje de decir Luis Castañeda Lossio. Baraybar es un experto en estas campañas de desinformación, como lo ha demostrado en múltiples oportunidades. Por ejemplo, recuerdo perfectamente una entrevista que dio en RPP hace cuestión de dos años, en la que argumentaba casi de manera enloquecida, la ampliación de la Av. Arenales, una de las obras sobrevaloradas de la gestión municipal de Solidaridad Nacional. En otra ocasión, en el programa El Perro del Hortelano que condujo César Hildebrandt en Canal 11, intentó, sin éxito, convencer a la teleaudiencia de que el tráfico en hora punta en San Isidro había mejorado un 50% gracias a las obras de la alcaldía. ¿Alguien puede creer eso hoy en día?

Pues bien, en esta ocasión, este personaje objeta, con un discurso fríamente calculado, casi como obedeciendo un guión memorísticamente aprendido, las observaciones que la Contraloría ha lanzado en relación al Metropolitano y sus múltiples fallas e/o irregularidades. Pero lo más indignante es como miente cuando se refiere a la situación actual de Barranco. Textualmente dice lo siguiente: "La Municipalidad está rehabilitando las calles... lo está haciendo! toda la zona Este ya se ha hecho, se ha hechos Catalino Miranda, se ha hecho la avenida Lima, se ha hecho Malambito...". Retengan, por favor, la frase "ya se ha hecho" y suban un poco el cursor. La foto que ilustra este post es de la Av. Lima en Barranco y fue tomada hoy, un día después de las declaraciones de Baraybar. Una vez más se cumple el viejo adagio: "una imagen vale más que mil palabras".

Fiel a su estilo, Baraybar da vueltas sobre los manidos argumentos de siempre y aprovecha para atacar a Salvemos Barranco, una asociación vecinal independiente, no política, que viene luchando en defensa del distrito con métodos pacíficos y actividades culturales, tratando de reconectar a la ciudadanía con la tradicional naturaleza de Barranco y alejada por completo de cualquier intención violentista. Inclusive, Salvemos Barranco viene convocando a todos los ciudadanos, barranquinos o no, para que apoyen la campaña de recuperación distrital y cuentan con un blog (http://salvemosbarranco.blog.com/) y un sitio en facebook que cada vez tiene más seguidores (http://www.facebook.com/#!/profile.php?id=100001019642430).

Parece que la Municipalidad de Lima la ha emprendido contra Barranco, con la complicidad velada del alcalde barranquino Antonio Mezarina, que a pesar de que ahora sale "en defensa de" los vecinos, también ha tenido mucho que ver en las tropelías cometidas y la de muchos de nosotros, que vemos este tema como algo ajeno, cuando más de una vez hemos hecho uso del distrito para divertirnos, para pasar una bonita tarde o simplemente para sentirnos un poco bohemios. Es increíble que a la hora de la hora, ni siquiera los artistas (los de verdad, pintores, músicos, gente del teatro, de la literatura) y "los artistas" (cantantes de moda, performers, ídolos de "la gentita") hasta ahora no se manifiesten ante estos atropellos.

LA HISTORIA DE CHICK COREA

Chick Corea: Documentary of Legendary Jazz Great, Pianist and Composer

Parte de la historia del mejor jazz contemporáneo, este sábado 29 de mayo en el Santa Úrsula... Chick Corea (piano), Stanley Clarke (bajo) y Lenny White (batería), casi toda la formación original de Return to Forever, aquella sorprendente banda de jazz rock que rompió todos los esquemas en los 70s... en este video hablan de Chick grandes amigos y colegas suyos: Gary Burton, Herbie Hancock, Sting, Bobby McFerrin, entre otros...

VEINTE AÑOS SIN JIM HENSON

El 16 de mayo de 1990 falleció, de neumonía, el creador del elenco de muñecos más divertidos y desfachatados que se hayan visto en la televisión mundial. Jim Henson es uno de los artistas fundamentales de la era contemporánea, pues supo engranar de manera magistral el humor sano, la buena música, la educación y el manejo de títeres como nunca nadie podría lograr después. El Show de los Muppets y Plaza Sésamo son las piedras angulares de su cuerpo de trabajo creativo, aunque también se dio tiempo para incursionar en el cine, por ejemplo con Labyrinth y en otras producciones para la televisión como el recordado Narrador de Cuentos. Actualmente, el legado de Jim Henson y sus muppets (combinación de las palabras "marionette" y "puppet"), continúa vigente, tanto por las permanentes apariciones de sus personajes en especiales de televisión modernos como en Avenue Q, la exitosa obra de teatro que recorre el mundo con una puesta en escena de humor negro, dirigida a un público más adulto.

Quienes fuimos niños en los 80s recordamos con muchísima nostalgia aquellas tardes en las que Canal 5 pasaba El Show de los Muppets y nos matábamos de la risa con las ocurrencias de La Rana René, El Oso Figaredo, Miss Piggy, Gonzo, entre otros, disfrutábamos con las sanas bromas y las malcriadeces que gritaban desde el balcón la clásica pareja de viejitos criticones a todo el que osara pisar el escenario una vez que se levantaba el telón rojo y alucinábamos con la onda ultra psicodélica y rockera de la banda de Dr. Teeth, ese combo que incluía al extravagante baterista Animal y al no menos extravagante líder del diente brillante.

En esta época de televisión basura, se hacen extrañar estos viejos amiguitos que tanto nos hicieron reír y parece injusto que mientras siguen vigentes en el mundo entero, la juventud de hoy no los conozca y prefiera esa montaña de programas inservibles con las que inundan sus actuales programaciones los canales de señal abierta. Alguien debería traerlos de vuelta. Mientras tanto, solo nos queda Internet y la magia del youtube para rendirle el tributo que merecen.

AEROSMITH Y LOS PARADIGMAS DEL ROCK

Aerosmith toca esta noche en Lima y hasta ahora nadie elabora un artículo que resuma con precisión la importancia de esta visita. Todos piensan en los videos de sus baladas noventeras, el tema central de la película Armaggedon y los fans tirados en el suelo, durmiendo desde la noche anterior en las afueras del Monumental para conseguir las mejores ubicaciones. Por ahí uno que otro dato suelto: "la banda norteamericana que tiene el record de discos vendidos en el mundo", "los chicos malos de Boston", "el grupo renació después de las adicciones de sus principales miembros", etc. La historia completa la encuentran en Internet con fechas, precisiones, anécdotas y etcétera.

No pretendo ser quien "resuma la importancia" de la visita de Aerosmith, pero sí quiero hablar de un tema que me parece básico en cuanto a lo que representa este quinteto dentro de la larga, sinuosa y a veces confusa historia del rock and roll, género que nos apasiona y nos enciende, que nos relaja y reconforta, que nos comprende y nos recibe sin distinción ni prejuicios. Aerosmith es, después de The Rolling Stones y Led Zeppelin, la banda que mejor encarna al paradigma rockero. La rebeldía impenitente, la imagen desafiante, aparentemente desaliñada y totalmente libre de ataduras de sus miembros. En suma, la encarnación de la conocida tríada "sexo, drogas y rock and roll" con la que los detractores de siempre han pretendido desprestigiar a los talentosos músicos que han desplegado su arte desde mediados de los años 50s.

Sweet emotion, tema clásico del álbum Toys in the attic (1975)... en vivo en Japón (2002)

Esa forma de ser ha terminado, de manera prematura y a veces hasta trágica, con las vidas de muchos artistas y no es para nada recomendable. Los excesos han estado siempre asociados a la vida on the road (de gira) y los músicos de Aerosmith la han asumido casi como si se tratara de algo normal. Definitivamente no son ejemplos a seguir pero, habida cuenta de todos los problemas que pueden llegar a tener, tampoco es algo que pueda hacer cualquiera y sobrevivir para contarlo.

Además, dejaron en el camino un legado discográfico notable, de casi 40 años de trayectoria y definieron lo que es la verdadera fiesta del rock and roll, con todos los matices que estas poseen. Aerosmith desarrolló un estilo rockero por antonomasia, con imágenes de arrolladora influencia en el imaginario colectivo: Steven Tyler es el vocalista decididamente extravagante, capaz de ejecutar exigentes gimnasias vocales y acrobacias físicas, vestido con jirones de telas coloridas que vuelan al viento. Joe Perry y Brad Whitford son dos excelentes guitarristas opuestos en estilo (mientras el primero es afilado, intuitivo y bluesero, a mitad de camino entre Jimmy Page y Slash, el segundo es preciso y cerebral, casi una máquina de riffs y estremecedores solos). Tom Hamilton y Joey Kramer (bajo y batería) son una base rítmica invencible, incansable e intencional, que mide cada uno de sus movimientos dentro del desmadre que arman en cada concierto-fiesta.

Jaded, uno de sus éxitos más recientes, del CD Just push play (2000)

Y esa es otra de las características únicas de este quinteto bostoniano en el terreno del hard rock clásico. Desde que Bill Wyman abandonó a los Stones para casarse con una modelo que podría ser su hija, Aerosmith se convirtió en la única banda que llegó al siglo 21 con su formación original inalterable. Es verdad que Whitford y Perry abandonaron al grupo en 1979 pero volvieron en 1985 y desde entonces nunca más se separaron, salvo por los momentos en que Hamilton y Tyler tuvieron que dejar la ruta por serios problemas médicos. Así, unidos y vigentes, Aerosmith realza también otro paradigma rockero: la idea de la banda como círculo familiar, de fuertes lazos emocionales, que atraviesan toda una vida (los cinco tocan juntos desde 1972) y superan toda clase de inconvenientes para llevar adelante su proyecto de carrera musical, que hasta ahora no da señales de desgaste. Hoy en día, los grupos editan dos o tres álbumes, ganan millones de dólares y después se separan para hacer discos en solitario sin la mayor resonancia.

En nuestro país ya tuvimos una fiesta rocanrolera. Fue en abril del 2009 cuando Kiss llenó de fuegos artificiales y papel picado el Estadio Nacional y el cielo limeño, pero ni siquiera Stanley y Simmons - que ofrecieron, junto a sus nuevos compañeros de viaje, uno de los mejores conciertos hasta ahora - pudieron mantener a su familia unida a través de sus décadas en la ruta. Por eso la de esta noche, aunque con menos público, será una tremenda fiesta rockera con todas las de la ley. Que la disfruten quienes tengan la suerte de ir.

Train kept a rollin', super clásico del blues de los 50s, que Aerosmith grabó para su segundo LP, Get your wings (1974)... en vivo del DVD You gotta move (2004)

EL POLEN

Es mucho lo que habría que decir acerca de El Polen, banda pionera de la fusión entre el folklore peruano y el rock, algunos años antes que Del Pueblo del Barrio y años luz de distancia del nuevo concepto de fusión chill-out-lounge-funkyjazz-cajón-quenas-mix-electronic-dance-nice-fucking-discjockeys estilo Miki Gonzáles, Jaime Cuadra y algunos especímenes más. El Polen llenó los ojos y los oídos de muchas personas allá por los 70s e inclusive Los Jaivas de Chile, hasta hoy vigentes, se consideraron sus seguidores. Pero el racismo disimulado y la falta de visión condenaron al grupo de los hermanos Pereira a una carrera pobre, sin apoyo ni proyección que terminó en el olvido. Ahora que Raúl Pereira acaba de morir, y en medio de la moda recicladora, la música de El Polen tiene la oportunidad de ser expuesta nuevamente, y es alucinante lo fresca que suena...

HILDEBRANDT EN SUS TRECE

Me declaro lector de César Hildebrandt porque, más allá de los reparos que pueda haber generado en ciertos sectores de "la gran prensa", encargada de encontrar suspicacias hasta en sus renuncias al aire, considero que hoy, a sus 62 años, está escribiendo mejor que nunca. Lúcido, de convicciones pétreas en cuanto a su rechazo a la política podrida y su maridaje con la prensa complaciente y temerosa, don César analiza con una agudeza y una amplitud de criterios noticiosos e históricos que pocos periodistas poseen en la actualidad. Por eso es necesario difundirlo. Porque dice en solitario lo que toda la prensa nacional, debería gritar en coro, si no anduviera tan preocupada por no perder sus puestos de trabajo ni sus amistades en el poder.

"LA CORRUPCIÓN NOS DEVORA

César Hildebrandt, 21 de mayo de 2010

Una sensación de hartazgo recorre muchos sectores.

Es la náusea que produce el hedor de la política entendida como negociado o franquicia. No es la náusea sartreana por la condena de la existencia. Rs náusea humildemente estomacal.

Todos desconfiamos de esa Contraloría que ahora gasta millones en publicitarse, y la Contraloría, a cargo de una medianía buscada con lupa para que no moleste con una pizca de carácter, hace todo lo posible para que esa desconfianza se acentúe.

Todos desconfiamos del Poder Judicial y el Poder Judicial, a cuya cabeza están antiguos simpatizantes de la corrupción fujimorista, trabaja denodadamente para que nuestra desconfianza halle más razones todavía.

Todos desconfiamos del Congreso y el Congreso, en manos de alfabetos resignados y analfabetos estridentes, convive con la corrupción, autoriza la impunidad, engaveta las investigaciones y ejerce muchas veces la ley del silencio que, en el Chicago de los 30 y en la Sicilia de los 70, se tenía como sagrada.

¿Y qué decir de los partidos políticos? El PPC se parece al socialcristianismo como la pedofilia a un jardín de infantes. El Apra, que es partido serio e histórico, se debate en una crisis que ya es de identidad y compromete su futuro. El nacionalismo es un estado de ánimo, una ira que llega de provincias pero que nadie sabe si cuajará en un programa integrador y verdaderamente nacional. Lo demás es como Barba: la depravación del vocablo "pragmatismo".

¿Y el Jurado Nacional de Elecciones o la ONPE, que deberían servir de filtros? Son, con su patética debilidad, la expresión del cáncer institucional que nos agobia (solo en las últimas horas el JNE ha recordado que los partidos deben hacer "internas" para elegir candidatos.

¿Y el Presidente de la República? Bueno, él es - otra vez - el jefe de una organzación poderosa decidida, por ejemplo, a asaltar Collique, a tomar Chilca como si fuera Normandía, o a permitir que Fujimori reanime su banda propia desde la prisión donde despacha.

¿Y la policía? ¿Nos salvará la policía? Bueno, la policía está en manos de un señor que se viste de paisano para irse a hostales a hacer de macho alfa (y por eso es defendido por el doctor García, machazo alfa él mismo). Y el Ministro del Interior tiene el handicap de una leve minusvalía residenciada en su cerebro.

Tenemos una crisis de viabilidad. No somos un país sino un milhojas, un suspiro limeño amargado por la corrupción.

Ya lo vemos: un alcalde que no explica el por qué del robo de Comunicore, denunciado por el diario Perú21, está primero en las encuestas. La hija de un corruptor, la que estudió en Boston con dinero robado por su padre, está segunda. Y el señor Kouri, que tendría que estar entre rejas por lo de Convial y ser un apestado social por lo del SIN, podría ganar la alcaldía de Lima.

Perú se pudre. Y la derecha, con algunos idiotas que se alegran por un Garzón defenestrado y un Cipriani triunfante, está feliz. Porque la derecha ha vivido y vivirá siempre en el limo descompuesto y entre la burundanga de la coima. Desde Echenique hasta García.

Cabeza armada de esa derecha que González Prada ya había auscultado y apretado es, por supuesto, la prensa.

La prensa que patatín, la prensa que patatán, la prensa que Gisela, la prensa que América Noticias (y su festival de muertos), la prensa que entretiene para que se roben el país, la prensa que pone traseros para que no le miren el suyo, los comercios diversos y tarados.

¿Y los intelectuales? ¿Nos sacarán las castañas del fuego los intelectuales?

Bueno, la mayoría de ellos está dedicada a sobrevivir. Y además, esa mayoría considera que la rebeldía es un souvenir de los 60 y que ser tibio y neutro da una pincelada de posmodernidad. No es que sea cínica esa mayoría (porque para el cinismo se requiere cierta bravura). Lo que esa mayoría ha aceptado es la quincena y el acomodo en el nuevo orden, que consiste en llamar nuevo a lo viejo y socialmente científico a lo puto y académica a la complicidad.

El Perú se pudre en una sola ola de chavetas. Y todos parecen felices limpiando sus chavetas después de usarlas.

No lo olvidemos: el 25% de encuestados en Lima dice que se tolera robar si se hace obra. No lo olvidemos: un grupo destacado de "intelectuales" y payasos le ha hecho un homenaje de reivindicación a un plagiario incontable y ha habido gente, como un tal Julio Ortega, que ha escrito en favor del plagio. No lo olvidemos: la Universidad Católica ha tenido que salir a defenderse despues de que unos zamarros intentaran devolver a sus aulas a un par de alumnos que habían presentado como suyos textos hurtados de Internet.

Vivimos en un país donde un cuarto de sus habitantes se declara implícitamente ladrón y consentidor de ladrones. Y en donde los ladrones regresan a la presidencia para robar más (porque "robar" es un verbo no solo transitivo sino que insaciable). Y en donde los plagiarios son homenajeados.

Este es el Perú del 2010. Por más que nos quieran decir que es el país del oro inagotable, del gas para todos, del cobre en alza, del pisco querido y de la butifarra internacionalizada.

Todo eso pasará. Como han pasado tantas otras prosperidades falaces de nuestra historia. Pasará y nos quedaremos con lo que perdura: la gente y sus valores.

Y cuando hagamos ese balance - sentiremos un escalofrío. Porque de tanta minería quedarán relaves y de tanta demagogia quedarán cuentas por pagar. Y de tantas tareas no hechas quedarán resmas de culpa.

¿No se han puesto a pensar que si Sendero sigue siendo, 30 años después, una remota amenaza es porque estamos haciendo todo lo posible para desacreditar a la democracia?

Nadie nos sacará de este marasmo si no reaccionamos.

La corrupción tiene que ser el gran tema electoral.

Y los corruptos tienen que dejar de infectarlo todo.

Y el Perú, este viejo país, que es nuestro y duele, tiene que decir basta."

BATTIFORA HABLA ACERCA DE CASTAÑEDA

El columnista Federico Battifora, colaborador de La Primera, acaba de publicar este valiente comentario con respecto a las evidentes falencias del Metropolitano y las raterías de Luis Castañeda, sin mencionarlo y valiéndose de algunas frases "ocurrentes" para dar a entender lo obvio... quizás tenga que ver con las presiones que sobre este diario, por lo general combativo y poco influenciable, ejercen algunos funcionarios ediles, por lo tanto es mayor su valor... para todos aquellos que todavía tienen dudas, me permito rebotarlo para su información...

"Se veía venir Pericote PIN PIN
Federico Battifora

Diario La Primera, 18 de mayo de 2010

Las vías y accesos que conectarán al corredor segregado del Metropolitano están bien verdes, me refiero a las que alimentarán al servicio central, que son los ómnibus articulados. En algunas conexiones con las estaciones centrales ya listas, el camino que tendrán que recorrer los futuros usuarios incluyendo a personas ancianas, niños, ciudadanos con algún tipo de discapacidad funcional física, etc, van a tener que sortear muchos huecos en las veredas y demás olvidos crónicos de los diferentes alcaldes distritales.

En algunos cruces no se ven rampas que faciliten un acceso adecuado. El entorno será importantísimo, tanto para la parte urbanística como para los vehículos que llevarán a los pasajeros. En este punto se puede perder el partido amigos lectores, con respecto a esta alternativa positiva para el gran inicio de la transformació n de nuestro caótico sistema de movilizar a más del 80% de los limeños a cumplir sus tareas de vida y en condiciones dignas, seguras y eficientes y que su traslado dure mucho menos tiempo, ya que hoy dilapidan en la NADA, parte de sus vidas.

En este tema debemos ser enfáticos y claros y superar a PERICOTE PIN PIN y su banda, ya que me parece que está contando los días para huir de este problemón en el que está metido, uno más que no pudo manejar ni resolver, ni siquiera con regular eficiencia. Debo aclarar que esto que escribo, nada tiene que ver con que este salsero mayor no rinda cuentas a la ciudadanía, a través de los canales correspondientes, hasta el último de los dineros públicos que (se ¿supone?) administró eficientemente y administra aún.

Amigos, los dineros públicos son una suerte de icono sagrado del Estado, de todos nosotros, así lo debemos ver y sentir todos los peruanos. No debemos permitir nunca más que desfalquen a la nación sistemáticamente, hombrecillos y mujercillas insensibles ante la pobreza de tantos conciudadanos. Hasta mañana."

RONNIE JAMES DIO

Su nombre es sinónimo de la escuela clásica del heavy metal y su voz, una de las más imponentes del género del cuero negro y los cabellos largos. Una dilatada carrera musical, en la que se asoció con algunos de los nombres fundamentales de la historia del rock, le dio el status de leyenda viva y aunque quizás pocos lo conozcan por estos lares, es un hecho innegable que su partida deja un vacío difícil de llenar para quienes conocimos su música y disfrutamos del talento que brindó de manera inagotable durante más de 40 años. Ronnie James Dio, uno de los personajes más carismáticos de la escena musical metalera, falleció el domingo 16 de mayo, víctima de cáncer estomacal. Tenía 68 años de edad y muchos proyectos pendientes.

Ronald James Padavona supo desde muy joven que iba a ser músico y aprendió a tocar el corno francés y la trompeta pero poco a poco sus pasos lo fueron llevando al intenso mundo del rock. Luego de varios trabajos en pequeñas bandas, Ronnie se decidió a cantar en un grupo de blues rock al que había ingresado como bajista, llamado The Electric Elves. Tras lanzar algunos singles bajo ese nombre, la banda se rebautizó como Elf y comenzaron a ganar notoriedad como teloneros de Deep Purple. Ya para entonces había adoptado el nombre artístico de Dio, que tomó de un mafioso italiano, Johnny Dio.

En 1975 es convocado por Ritchie Blackmore, tras su reciente renuncia a Deep Purple, para ser parte de su nuevo proyecto, Rainbow. Juntos, Blackmore y Dio crearon una trilogía de álbumes fundamentales dentro de la evolución del hard rock: Ritchie Blackmore's Rainbow (1975), Rising (1976) y Long live rock and roll (1978). En el camino, un portentoso disco en vivo, On stage (1977), dejó para la posteridad un registro de lo que fue esa genial colaboración. Los sonidos y progresiones barrocas de Blackmore y las letras enigmáticas y cargadas de fantasía de Dio fueron la marca registrada de este primer capítulo de Rainbow.

Pero al vocalista le esperaban otras sorpresas en su camino. Luego de su exitoso trabajo con Blackmore, Ronnie James Dio fue llamado en 1979 para reemplazar a Ozzy Osbourne en Black Sabbath, una tarea por demás difícil, dada la identificación que existe entre Ozzy y la banda que mejor combinó la música con el terror en los años 60s-70s. Nadie puede negar que el cantante definitivo de Black Sabbath es, fue y será Ozzy Osbourne pero de todos los demás cantantes que pasaron por el cuarteto tratando de reemplazarlo, fue Dio quien dejó el mejor recuerdo entre los fans de los creadores de Paranoid, Iron man, entre otras joyas del metal auroral. Prueba de ello son los discos Heaven and hell (1980), The mob rules (1981) y Dehumanizer (1992). Una vez más, el paso de Dio por Black Sabbath quedó representado de manera notable en un álbum en vivo, el doble Live evil (1981).

Es en los 80s que Ronnie James Dio se convierte en una fuerza solista del heavy metal, cuando decide armar su propio grupo, con el que recorrió el mundo en un despliegue impresionante de creatividad, además de la experiencia ganada en sus anteriores trabajos como vocalista de Rainbow y Black Sabbath, dos de las bandas más importantes de todos los tiempos. Como no podía ser de otra forma, el nombre de la banda fue Dio y aunque él siempre declaró no estar interesado en convertirse en solista, su performance evidenciaba el claro liderazgo que ejercía sobre Dio. No solo él había formado el grupo, sino que además componía todos los temas y producía sus discos.

En total fueron diez las producciones discográficas de Dio, lanzadas entre 1982 y 2004 con múltiples cambios de formación y algunos hiatos de silencio, pero las más celebradas fueron sin lugar a ddas las tres primeras: Holy diver (1983), The last in line (1984) y Sacred heart (1985). Posteriormente sus álbumes no fueron comercialmente tan exitosos, pero ya se había convertido en un artista de culto, con un público cautivo que se mantenía siempre al tanto de sus movimientos. Siempre de gira, Dio ha lanzado al mercado diversos discos en vivo que documentan su trayectoria.

Cuando todos pensaban que Dio se había perdido en el silencio, resurgió en el 2006 junto a sus viejos camaradas Tony Iommi (guitarra), Geezer Butler (bajo) y Vinnie Appice (batería) bajo el nombre Heaven & Hell, en una suerte de supergrupo de heavy metal que sorprendió a los fanáticos del género con un lanzamiento en vivo titulado Live from Radio City Music Hall (2007), que además fue lanzado en DVD.

A pesar de que los cuatro habían grabado juntos en los 80s como Black Sabbath (Appice había reemplazado a Bill Ward en esos años), no podían utilizar el nombre porque tanto Iommi como Butler seguían presentándose, paralelamente, como Black Sabbath junto a los otros dos miembros originales del grupo (es decir Osbourne y Ward). Pero todo esto, lejos de confundir, animaba a los fans a seguir a estos experimentados músicos que aun tenían mucho que ofrecer.

En el 2009, Heaven & Hell lanzó un nuevo disco, The devil you know y se embarcó en una ambiciosa gira mundial que ya tenía fechas programadas hasta agosto de este año pero tuvo que suspenderse en noviembre último, mes en el que Ronnie James Dio recibió una terrible noticia: fue diagnosticado el temible cáncer al estómago que le ocasionó la muerte hace un par de días.

Además de su presencia escénica y su tremendo registro de tenor, Ronnie James Dio será recordado siempre por hacer popular "la señal de los cuernos", característica dentro de la cultura del heavy metal. Aunque él aseguró no haber sido el primero en hacerla, sí reconoce que ayudó a imponerla pues la usaba mucho en sus conciertos y sesiones fotográficas. Dio recuerda que aprendió esta señal gracias a su abuela, que la usaba para espantar al mal. En realidad es una señal muy antigua, utilizada en algunas religiones orientales y en países del Mediterráneo como símbolo ligado a creencias supersticiosas y que se ha extendido en muchas otras culturas. Aquí en nuestro país, por ejemplo, se utiliza acompañada por la palabra "contra", como protección ante las intenciones maledicentes de nuestros interlocutores.