TINTERILLOS AL ATAQUE

Como ya muchos deben saber, el Congreso de la República ha lanzado a las calles a su batallón de mensajeros a distribuir las respuestas a todos los periodistas y ciudadanos de a pie que hemos tenido el atrevimiento de solicitar los respaldos contables (léase boletas, facturas, etc.) de los gastos operativos de los señores otorongos, amparados por la Ley de Transparencia y Acceso a la Información Pública. En estas misivas, el aparato encubridor del Congreso, es decir la Dirección General de Administración, aduce que los documentos solicitados están sujetos al "principio de reserva" por encontrarse en un proceso de auditoría y no pueden atender los pedidos porque de lo contrario, dicho proceso se vería interrumpido, dañado, etc...

Evidentemente ninguno de los integrantes de esta campaña ciudadana nos tragamos el cuento de la DAC y resultan aún más indignantes los vericuetos tinterillescos en los que se refugia el actual Presidente del Congreso, Javier Velásquez Quesquén, tratando de darle apariencia de argumento coherente a lo que es, según los abogados y las personas con un mínimo de sentido común, una vulgar paparruchada que intenta saltarse con garrocha este reclamo, que tiene mucho de democrático y muy poco de desestabilizador.

No voy a reproducir las cantinfladas que este señor ha proferido en RPP para no caer en la repetición y porque ya lo han hecho otros colegas bloggers como Marco Sifuentes (http://www.uterodemarita.com/), William Vásquez (http://www.elpaki.com/), José Alejandro Godoy (http://www.desdeeltercerpiso.com/), etc., todos conspicuos miembros de nuestra "tribu" - cariñoso adjetivo que nos endilga Mercedes Cabanillas - pero creo que cada vez es más agresiva la manera en la cual los "padres de la patria" vienen reaccionando ante esta campaña que les está explotando en la cara, algo que quizás no esperaban.

Considerar que esta petición constituye una burla (Carlos Raffo), que los nombres de los blogs ofenden a la representatividad del Congreso (Martha Moyano) o que tratamos de modificar el sistema político (Velásquez Quesquén) es un burdo intento por reducir esta expresión ciudadana, canalizada a través de la Internet, a la categoría de un capricho poco serio y que no es digna de ser tomada en cuenta. Es decir, una vez más se manifiesta la abierta desconsideración y desprecio que quienes legislan y gobiernan sienten hacia la opinión de ese "pueblo" que tanto mentan en sus inflamados discursos y alocuciones públicas.

Significa que los señores congresistas, que llegan a sus curules prometiendo oros y moros a la población, se declaran a sí mismos intocables y ningunean el derecho que esa misma población tiene de exigir que se le rindan cuentas. El blog Desde el Tercer Piso ha colgado un modelo de carta de apelación, que debe dirigirse a la Oficialía Mayor del Congreso (http://www.desdeeltercerpiso.com/2008/09/si-te-rechazaron-tu-adopcion-aqui-tienes-como-hacer-tu-apelacion/), una vez recibida la negativa en la Dirección General de Administración.

Todo parece indicar que nos vamos al Tribunal Constitucional...

LA COLECCIÓN DE EL COMERCIO

Hola a todos... una de las manifestaciones más evidentes del atraso cultural de nuestra prensa es el eterno segundo plano en que se mantienen las informaciones acerca del mundo de la música. No sé cómo será en otros países, no he tenido la oportunidad de viajar al exterior, pero desde que tengo recuerdo, la actividad periodística en el Perú se ha mantenido voluntariamente al margen de la evolución y desarrollo de las escenas musicales alrededor del mundo, incluida la local.

A lo largo de los últimos 20 ó 25 años hemos visto suplementos dedicados al teatro, al cine, a la farándula, a la literatura, a las artes plásticas, etc... Sin embargo, el siempre cambiante y fascinante universo de la música, en cualquiera de sus formas, nunca ha tenido esa cobertura por parte de los medios de prensa (me refiero en particular a la "prensa escrita", valga la redundancia) que únicamente cubre notas sobre músicos, géneros, festivales, lanzamientos o cualquier otro de los tópicos asociados a la industria en pequeñas notas insertadas en el segmento de espectáculos, entre faranduleros de la fauna local o glamorosas estrellas de Hollywood.

Los músicos sólo son noticia cuando protagonizan algún escándalo, cuando aparecen en la tele y en el cine haciendo otras cosas o cuando se mueren. Ni siquiera cuando llegan a tocar al Perú - en especial en esta época que nos ha permitido tener entre nosotros a notables figuras del arte musical como Roger Waters, Joe Satriani, Paquito de Rivera, Yo Yo Ma, entre otros - se puede observar un mayor interés por estos acontecimientos de amplio valor cultural y artístico.

Antes pensaba que este fenómeno tenía que ver únicamente con el rock, por sus características rebeldonas, desordenadas o "anti-sistema" (para utilizar un término de moda), pero poco a poco fue quedándome claro que, para los editores de los principales medios escritos de este país, la música no es una actividad que merezca ser individualizada en una sección, un suplemento semanal, una revista de calidad.

En medio de esa situación de abierta discriminación - absurda desde cualquier punto de vista - y ninguneo a la actividad musical, practicada por los medios convencionales (no me refiero, desde luego, a las esforzadas publicaciones que no sólo apuestan por escribir sobre rock o jazz, con tirajes reducidísimos y frecuencias aleatorias, sino que además lo hacen desde un punto de vista crítico, osea, hablan de los músicos menos "llamativos" desde un punto de vista "comercial") podríamos considerar que el diario El Comercio marca la diferencia con los espacios que mantiene, tanto en su sección Luces como en sus suplementos estrella Somos y El Dominical, como únicas fuentes de información local, relativamente informada, acerca de las movidas musicales de cualquier género, época y procedencia.

Por ese motivo esperaba que la colección de DVDs Los Clásicos del Rock que empezó a salir el viernes 19 de septiembre en "el decano de la prensa nacional" se pusiera, por fin, a la vanguardia de la desnutrida prensa musical local con un producto de calidad. Lamentablemente no ha sido así. Y me extraña porque este diario tiene en sus filas a algunos de los comentaristas y críticos de rock más destacados del medio. Es cierto que no siempre estamos de acuerdo con sus conceptos o preferencias, pero estoy seguro de que Rafo Valdizán, Raúl Cachay o Francisco Melgar hubieran podido elaborar un folleto informativo mejor escrito que el ofrecido en el número 1, dedicado al gruo británico Yes.

Este folleto, que viene adjunto al DVD Symphonic Live (2002) presenta un nivel de redacción muy por debajo de lo que normalmente muestran los mencionados periodistas u otros como Oscar García o el mismo Alonso Rabí do Carmo, destacadísimo periodista, escritor y crítico de arte que, sorprendentemente, aparece en los créditos como Corrector de Estilo o algo así. Pero no sólo es que la redacción no sea satisfactoria, sino que además contiene datos inexactos (por ejemplo, al referirse a la visita de la banda al Perú en 1999, no menciona la presencia de Billy Sherwood como segundo guitarrista o al afirmar, hasta en dos ocasiones, que el baterista Alan White había tocado con Frank Zappa antes de reemplazar a Bill Bruford). Asimismo, la infografía dedicada a la discografía oficial de la banda no está completa y no complementa las imágenes con una relación más detallada que incluya grabaciones en vivo, recopilaciones, DVDs oficiales, etc...

¿Razones de espacio? poco fáciles de aceptar si vemos las inmensas fotos, sin leyendas, que figuran en varias de las 16 páginas del consabido folleto (uno de los argumentos de venta que se vienen utilizando para promocionar la colección). Para los rockeros - no "roqueros" como figura en la contracarátula del DVD en cuestión - esto es indignante, tanto para los fans de la literatura que detecten dislates en alguna reseña de la obra de Mario Vargas Llosa o para los cinéfilos que encuentren un especial acerca de Ingmar Bergman que no consigne una filmografía completa, cuando todo en las promociones y en la diagramación parecían indicar que de eso se trataba el suplemento ofrecido.

Es lamentable que El Comercio esté desaprovechando esta aplaudible iniciativa de su departamento de promociones y publicaciones especiales, con una elaboración que denota más bien poco rigor y seriedad al momento de encarar una colección de conciertos de rock que pretende alzarse como LA MEJOR. Quizás tenga que ver, otra vez, con esa costumbre de considerar a la música - y en particular al rock - como una expresión artística menor, de segunda categoría, cuando realmente constituye uno de los capítulos más importantes e influyentes del arte popular contemporáneo y que ha generado infinidad de íconos y momentos de trascendencia artística, social y política.

Cabe señalar que los 12 DVDs que conforman la colección Los Clásicos del Rock de El Comercio, son títulos producidos y distribuidos por el sello inglés Eagle Rock Entertainment, que ofrece un catálogo interesante de títulos y artistas, como compensación frente a una calidad de imagen y sonido que presenta ciertos altibajos. Desde luego eso no significa que los conciertos en sí mismos carezcan de atractivo. Por el contrario, quizás debamos tomar esto como un buen primer paso pero que debe ser realizado respetando los estándares de calidad y de información que sean dignos de estos artistas y de sus seguidores.

El número 2, anunciado para el próximo viernes, es el DVD The Way We Walk (2002) de Genesis, otra leyenda del rock progresivo británico. Como en el caso de Symphonic Yes, lo más probable es que mientras el DVD será un placer para ojos y oídos, el folleto no irá necesariamente en la misma dirección. Salvo que se apliquen las urgentes y obligatorias correcciones... El Comercio tiene la palabra... Hasta la próxima...

COMO ERA DE ESPERARSE...

Ha pasado ya una semana desde que envié mi carta a la Dirección General de Administración del Congreso, solicitando la documentación que sustente los gastos operativos del "señor" parlamentario Miró Ruiz Delgado durante el período comprendido entre los meses enero y agosto del presente año (8 meses, es decir un aproximado de 56 mil soles) y no he recibido absolutamente ninguna respuesta...

La cantidad de bloggers que ha decidido involucrarse en la campaña Adopta a un Congresista está logrando uno de sus objetivos: poner en evidencia la desvergüenza y la absoluta falta de transparencia del Poder Legislativo - y por extensión, le duela a quien le duela, de todo el aparato estatal ¿o alguien puede creer que no pasa lo mismo en los ministerios, en los juzgados, en las OPDs, etc.? - ante el pedido elemental de un grupo de ciudadanos que refleja la indignación de todo un país ante el sistemático y cada vez más descarado robo en el que se ha convertido la carrera política. ¿Cuál es la ley o reglamento congresal que le impide a uno de esos "padres de la patria" mostrar su documentación y dejarnos en claro que no utiliza sus gastos operativos para cuestiones ajenas a su trabajo público?

Yo, como me imagino todos los demás, no he recibido ninguna clase de comunicación - sea telefónica, electrónica o por correo regular - con respecto a mi pedido, de manera que habrá que ir preparándose para la siguiente etapa de esta convocatoria realizada por Rosa María Palacios... La relación actualizada de los congresistas adoptados la pueden revisar en este link de Marco Sifuentes: http://uterodemarita.com/2008/09/14/adopta-un-congresista/...

Hay que estar atentos... por el momento, insto a los compañeros bloggers que se encuentran más metidos en las cienagosas aguas del noticiario político cotidiano a que confirmen una línea que me llamó la atención, escrita por nuestra colega Zarella Sierra, en una nota aparecida en Perú 21 el 18 de septiembre, en la que se refiere a José Aróstegui Girona como "ex-Director General de Administración del Congreso"... ¿No era a este señor Aróstegui a quien le estábamos dirigiendo las cartas? ¿qué pasó? ¿renunció por la lluvia de solicitudes? ¿lo sacaron?...

Saludos y hasta la próxima...

THE GREAT RICK IN THE SKY...

RICHARD WRIGHT (28 julio 1943 - 15 septiembre 2008)

Durante los primeros años de Pink Floyd, los instrumentos preponderantes no fueron los virtuosos acordes de guitarra de Gilmour, ni los tambores metronómicos de Mason, ni los gritos desgarrados de Waters, ni siquiera la voz aniñada y letras delirantes de Barrett ("Crazy Diamond" para los amigos). No. Fue el teclado. O mejor dicho, los teclados.

En la etapa estrictamente psicodélica de la banda, las atmósferas luminosas y los fraseos extensos, las combinaciones de música clásica con jazz, salpicadas de una extravagancia ligeramente insinuada - por ejemplo en Interstellar Overdrive - que provenían de las manos de Richard Wright le dieron personalidad a las composiciones, mayormente grupales, del Pink Floyd ubicado entre los años 1966 y 1969.

Con la llegada de David Gilmour, la salida de Syd y el inicio del liderazgo de Roger Waters, el cuarteto se sumergió en el camino hacia la experimentación y sentó las bases del prog rock, y una vez más, aunque los reflectores se centraron básicamente en sus líderes naturales (Roger y David), el sonido de las blanquinegras de Richard y su arsenal de elementos sintetizadores fue siempre una de las principales características del lenguaje floydiano, desde un saludable perfil bajo.

Richard William Wright pertenece a una estirpe de tecladistas que marcaron una época en el desarrollo del rock, en la cual podemos encontrar también a musicos extremadamente talentosos como Rick Wakeman, Tony Banks, Keith Emerson, Don Preston, Jon Lord, entre otros. Músico autodidacta, Wright inició su carrera en 1965 (a los 21 años de edad) junto a sus compañeros de escuela Roger Waters y Nick Mason, con quienes fundó las bandas Sigma 6 y The Screaming Abdabs, predecesores de lo que ellos, ya junto a Syd Barrett, denominarían The Pink Floyd Sound.

Abreviado simplemente a Pink Floyd, lanzaron su primer álbum, The Piper At The Gates At Dawn, un par de años después. Desde entonces, Pink Floyd se convertiría en una de las bandas más populares e influyentes de la historia, gracias al talento y la vocación aventurera de sus miembros. Como uno de los fundadores, Richard Wright ha estado presente en los momentos más importantes de la discografía de la banda. Su estilo limpio y atmosférico constituye una de las marcas registradas de álbumes emblemáticos como A Saucerful Of Secrets (1968), Atom Heart Mother (1970) o Meddle (1971), en los cuales la voz y los teclados pueden apreciarse en su mejor expresión.

Dedicado mayormente a interpretar y enriquecer las visiones musicales de los principales compositores de la banda, Wright también se dio tiempo para contribuir con piezas clásicas del catálogo floydiano como Remember A Day, It Would Be So Nice, Us And Them y ese himno celestial titulado The Great Gig In The Sky, publicado en The Dark Side Of The Moon (1973), para muchos la obra maestra de Pink Floyd.

Asimismo, son notables las variaciones al piano que hace en la banda sonora de Zabriskie Point (película de Michelangelo Antonioni), sobre la base de otros temas del grupo como Careful With That Axe Eugene y Time. Quizas la única vez que "sacó los pies del plato" la podemos oír en Sysyphus, su suite personal lanzada en Ummagumma (1969) en la cual despliega desde sus habituales oleadas de tranquilidad pianística hasta osados toques de excentricidad al mejor estilo del norteamericano Cecil Taylor.

En 1980, tras de la accidentada gira The Wall, Richard Wright se separó definitivamente de la banda debido a sus discusiones con Roger Waters. Un año después se publicaría The Final Cut, último disco de Pink Floyd de la era Waters, el único en el que Wright no participaría (en aquella ocasión, su lugar fue ocupado por Michael Kamen, músico y director de orquesta largamente asociado a la banda). Luego del retiro de Waters, Wright ha participado de todos los proyectos de Pink Floyd y además se dio tiempo para realizar dos esfuerzos como solista: Wet Dream (1978) y Broken China (1996).

El 2 de julio del 2005, los cuatro miembros de la formacion clásica de Pink Floyd - David Gilmour, Roger Waters, Nick Mason y Richard Wright - se subieron al escenario por primera vez tras 24 años de separación para el megaconcierto Live 8, en uno de los momentos más emotivos para los fanáticos, no sólo del grupo sino del rock en general. En esa reunión, largamente esperada, el cuarteto tocó Speak To Me, Breathe, Money, Wish You Were Here y Comfortably Numb y desde entonces, se rumoreó acerca de los preparativos para una gira mundial de Pink Floyd en completo. Lamentablemente, esa posibilidad ha desaparecido tras el sensible fallecimiento del tecladista, ayer lunes 15 de septiembre, víctima de un extraño tipo de cáncer. El músico, que se encontraba trabajando en un próximo lanzamiento solista, murió en su casa de Inglaterra a los 65 años de edad.

Su compañero David Gilmour declaró lo siguiente al enterarse de la triste noticia: "Según mi punto de vista, los momentos más grandes de la historia de Pink Floyd han sido aquellos en los que él estuvo en su mejor forma. Nadie puede reemplazar a Rick, fue mi socio en lo musical y gran amigo en lo personal. En medio de todos los debates acerca de qué o quién era el responsable del sonido Pink Floyd, el enorme aporte de Rick fue frecuentemente olvidado. Él era silencioso, gentil y reservado pero su emotiva voz y estilo al tocar fueron componentes mágicos, vitales de nuestra época más reconocida. Como Rick, no me es fácil expresar lo que siento con palabras, pero lo quiero y lo extrañaré enormemente. Nunca he tocado con otra persona como él".

Aquí unos cuantos videos del gran Rick, que ahora toca en el cielo...

http://www.youtube.com/watch?v=0wtiNzci1Wc (Comfortably Numb, 2005, Pink Floyd Reunion at Live 8)

http://www.youtube.com/watch?v=lBWY3bli92Y (The Great Gig In The Sky, 1994, Pulse)

http://www.youtube.com/watch?v=J2hFZ8KnsSo (Echoes Part I, 1970, Pink Floyd At Pompeii)

http://www.youtube.com/watch?v=iNTYIQnWOWk (A Saucerful Of Secrets, 1970, Pink Floyd At Pompeii)

http://www.youtube.com/watch?v=3gsD2fTNC04 (Sysyphus, 1969, Ummagumma)

http://www.youtube.com/watch?v=VfUalvKe-vo (Tributo a Rick Wright en fotos, tema: Wish You Were Here, 1975)

ADOPTA A UN CONGRESISTA

En aras de apoyar esta iniciativa que busca hacer eco de la denuncia de Rosa María Palacios (http://peru21.pe/impresa/noticia/tenemos-derecho-saberlo/2008-09-06/223853) frente al descarado encubrimiento que el Congreso, dando una muestra más de su famoso "espíritu de cuerpo", pretende hacer de las cuentas que todos los peruanos merecemos y tenemos derecho a conocer, me úno a la campaña ADOPTA A UN CONGRESISTA y desde aquí invito a todos, sean bloggers o no, a participar también de esta exigencia ciudadana...

El congresista escogido por este blog es Miró Ruiz Delgado (representante de Huancavelica, perteneciente al Partido Nacionalista Peruano), quien ya adquirió una deuda con la comunidad amante de los animales al hacerse tristemente célebre por haberle quitado la vida a un inocente e inofensivo schnauzer... ¿qué gastos operativos presentará este señor? esperemos que poco a poco vayan saliendo las cuentas para todos aquellos que, ejerciendo nuestros derechos fundamentales como ciudadanos, las estamos solicitando...

Los detalles sobre cómo enviar la petición - vía fax, al número 311-7719, creo que es la mejor manera, aunque por ahí Paki (http://www.elpaki.com/) ha publicado también una dirección de correo electrónico - los pueden revisar en el mencionado blog y el modelo para presentar la carta lo encuentran en el link del programa Prensa Libre (http://www.americatv.com.pe/)...

En lo personal, considero que es una excelente oportunidad para poner en evidencia la disposición de la ciudadanía a no seguir tolerando respuestas inaceptables de parte de los "padres de la patria", respuestas que atentan contra la inteligencia de aquellos a quienes dicen representar... además de demostrar la intención permanente de estos congresistas por no practicar la transparencia y la honestidad en el desempeño de sus cargos... desde luego no es bueno generalizar y seguramente esta campaña también servirá para separar pajas de trigos - por lo menos en este tema - pero tengo la ligera sospecha de que las excepciones a la regla serán muy pocas...

Hasta la próxima...

LAS VISITAS INOPINADAS...

Hernán Garrido Lecca es un ministro peculiar. Ayer en Vivienda, hoy en Salud y nombre siempre citado cuando se avecinan cambios en la cartera de Economía, este señor de profesión ministro tiene asegurada su permanencia en el aparato gubernamental gracias a su inquebrantable naturaleza apristona.

Ademas, ha demostrado en el ultimo año y medio tener un especial talento para llamar la atención: se mudó a Pisco cuando todos veíamos con estupor la inacción del Estado frente a los damnificados del sur, tratando de alejarse del tremendo salpicón de impopularidad de Forsur y compañía. Meses después, avivó el fuego para una de las siempre oportunas cortinas de humo cuando salió al patio de Palacio anunciando su renuncia en aires de dignidad para luego, ante la humillante ninguneada de Su Majestad, retractarse y asegurar que "no había dicho lo que dijo". Ahora, en medio de la inminente huelga médica, se erige como el "Guachimán de la Salud Pública" con sendas visitas "inopinadas" - ¿alguien sabe a que se refieren con ese término? - que tienen como principal logro el haber descubierto a los doctores de guardia durmiendo a mitad de la madrugada.

A juzgar por las cosas que están saliendo a la luz con respecto a las carencias de los principales hospitales públicos y el enfrentamiento frontal con uno de los sectores más sacrificados de este país que, según el Gobierno, avanza sin parar, este logro se convirtió - a pesar de las volteretas retóricas de Garrido Lecca, que asume con orgullo su nuevo mote - en un disparo a los pies. Uno más que seguramente, dentro de unos días, recibirá la reprimenda, o quizás el respaldo dulzón y no exento de ironías, de Alan García Pérez.

El sector salud es uno de los que demuestran de mejor manera el estado lamentable del gobierno actual, que hace descarados esfuerzos, a través de sus medios oficiales y de sus periodistas amigos, por convencernos de que las cosas andan mejor. Nada más inexacto. Y queda muchísimo más claro cuando uno se asoma a cualquier hospital de salud pública.

Como miembro activo de una asociación de voluntarios que trabaja desde hace más de 14 años, precisamente, en el Hospital 2 de Mayo, hoy convertido en símbolo mediático de la crisis hospitalaria - que es recién descubierta, con inexplicable estupor, por los medios que se asombran cuando ven las instalaciones ruinosas, los equipos oxidados, las farmacias extrañamente desabastecidas, la falta de agua potable - puedo decir que el asunto va más allá de determinar si un doctor a quien le ha tocado hacer guardia, se toma unos minutos para descansar y una vez repuesto, poder asistir casos de emergencia, necesidades de los pacientes a su cargo, etc.

Inclusive este hecho está permitido según los estatutos médicos, puesto que para nadie es un secreto que sería altamente riesgoso exigir a un profesional de la salud que se mantenga despierto durante toda la noche, exponiéndose a atender a personas enfermas en estado de somnolencia, sin la lucidez necesaria en esta importante actividad y servicio público.

Es cierto que hay múltiples problemáticas en el sector salud que no tienen relación directa con el área médica o farmacológica, sino más bien constituyen problemas de gestión y también es verdad que no todos los doctores, enfermeros(as), técnicos(as) cumplen con su función de manera impecable. Son muy conocidos los casos de maltrato, desconsideración hacia seres humanos que están padeciendo una enfermedad o por sus familiares, o de mafias que trafican con el dolor humano poniendo a la venta medicamentos vencidos, adulterados o negando la distribución gratuita de productos de salud para beneficiar a inescrupulosas farmacias que, al ver la urgencia de las familias de los pacientes, duplican o triplican los precios.

Estas son las cosas que deben ser analizadas por el flamante "Guachimán" y no esquivar su responsabilidad ante las precarias condiciones en las que subsisten los hospitales, tratando de hacer aparecer a los médicos - que trabajan también en condiciones muy limitadas, tanto a nivel de infraestructura como de bienestar laboral y profesional - como personas irresponsables, malos profesionales o seres abyectos que se duermen cuando alguien necesita su ayuda.

La clásica respuesta de que esta situación tiene que ver con "administraciones anteriores" suena a cuento chino. ¿Es que nadie se ha dado cuenta de que las paredes están descascaradas, las camillas oxidadas, los equipos insuficientes y caducos, los cuartos sin camas, los pasillos abarrotados de enfermos que no tienen donde recuperarse de su convalescencia dignamente? Resulta poco creíble la preocupación de Garrido Lecca, en todo caso y para no ser tan desconfiados, habría que pensar que hay buena intención pero mal enfoque en esta estrategia de visitas inopinadas del ministro aprista.

Desde el punto de vista de un voluntario, que vive en contacto con el dolor y el desamparo de los pacientes y familias de pacientes que no tienen alternativa y que deben pasar momentos difíciles de sus vidas dentro de estos establecimientos, es mucho más evidente la naturaleza compleja de esta situación de caos que se experimenta en un sector tan importante como el de salud. Las salas del Hospital 2 de Mayo prácticamente sobreviven en ambientes lóbregos, con carencias de todo tipo, con la excepción de la Santa Rosa II que, gracias al trabajo dedicado y anónimo de la asociación de voluntarias Dar Es Amar se ha convertido, con pocos recursos y mucho cariño y consideración, en un oasis de buen trato y cálida atención tanto para los pacientes y sus familiares como para el personal médico (doctores, enfermeras y técnicos).

* Segun el DRAE, el adjetivo "inopinado" se refiere a "algo que sucede sin haber pensado en ello, o sin esperarlo". Esto quiere decir que deberían ser los doctores y no el ministro quienes califiquen de inopinadas las visitas de madrugada, ya que Garrido Lecca sí pensó en realizarlas, sí las planificó.

Hasta la próxima...

LOS HERMANOS PINZONES

"Los Hermanos Pinzones eran unos... marineros

que se fueron con Colón, que era otro... marinero

y se fueron a Calcúta a buscar algunas... playas

y una india muy maja a Colón le hizo una... pipa"

Ante la sequía de temas para postear han pasado algunos días sin que me animara a escribir algo, temeroso de terminar hablando de las mismas noticias que tienen cautivada a la prensa convencional y a la bloggera: el congresista "comepollos", el regreso de Claudio Pizarro al Werder Bremen o los arañazos y medias verdades que se andan lanzando la "Señito" y la dupla Aldo/Beto.

En medio de esa farragosa crisis de temas novedosos, vino a mi rescate - como siempre - ella, con esa capacidad única que tiene para sacar de la chistera esas pinceladas mágicas de conocimientos, esas novedades que después pasan a formar parte de nuestra bitácora. Puede ser una película, un momento de la historia o una anécdota de apariencia intrascendente, pero siempre con un trasfondo y en esta ocasión un trasfondo muy, pero muy divertido.

¿Nuestra fuente de información? una novela mexicana entre cómica y tonta que concita la atención por llevar al extremo situaciones románticas disparatadas y a la vez brindar información útil sobre cómo actuar frente a problemas contemporáneos (el VIH, la homosexualidad). Además, otro de los atractivos de estas novelas modernas es que permanentemente muestran la versatilidad de los actores y actrices del país del tequila, capaces de interpretar prácticamente cualquier papel o de asumir roles que van desde la actuación propiamente dicha hasta tomar un instrumento musical y crear un ambiente festivo, gracioso.

Uno de los personajes de esa novela - cuyo título es Las Tontas No Van Al Cielo - es interpretado por Mauricio Herrera, un experimentado actor de cuando las novelas eran más melodramáticas. En uno de sus capítulos, Jaime (el nombre de su personaje en la novela) se sienta al piano y comienza a cantar a dúo con Zamora, un típico charro mexicano, una hilarante canción en ritmo de cha cha chá, en la que se juega al doble sentido en la tradición de aquella otra clásica Pican pican los mosquitos... Al final de cada verso, la palabrota obvia es reemplazada por otra y la cancioncita fluye de manera que uno no puede dejar de reírse...

Cuando ella me la mostró, en uno de los capítulos de la novela, quedamos impactados por el tema y decidimos saber más. Se trata de una canción antigua, que al parecer se hizo muy conocida en décadas pasadas, llamada Los Hermanos Pinzones. La canción se burla de los hermanos Pinzón, tres navegantes españoles que acompañaron a Cristóbal Colón en su primer viaje expedicionario a fines del siglo 15. Debo confesar que, aunque el coro me resulta algo familiar, nunca la había escuchado completa y debo agradecerle profundamente a ella este descubrimiento, una de las canciones más graciosas que he escuchado.

Navegando - como los Pinzones - por Internet, pudimos ver algunos datos y versiones de esta canción, aunque hasta el momento nadie me supo decir quién la compuso. Todo parece indicar que se trata de un tema anónimo, ubicado más o menos en los 60s y cuya letra tiene diversas variaciones según el país en el que se interpreta. Dos de las más conocidas las estoy pasando en este post, además del capítulo de la novela del que la sacamos. Es realmente graciosa porque juega con una serie de palabras e imágenes de doble sentido sin llegar a decir explícitamente ninguna, en una onda muy burlesca y calculada.

En la primera - que personalmente me gusta muchísimo - dos juglares, armados de liras y que parecen sacados de una película de Mel Brooks, cantan Los Hermanos Pinzones en clave de punk, muy al estilo de La Polla Records y cantan cada línea con un desparpajo realmente desopilante. Esta versión es una escena de una extraña película llamada Cristóbal Colón, de oficio descubridor (1982), dirigida por el español Mariano Ozores. Aunque la película no tiene muy buenos comentarios, es por esta secuencia que incluye la canción de Los Hermanos Pinzones que el film es celebrado y recordado como uno de los momentos más freakies del cine español de bajo presupuesto.

http://www.youtube.com/watch?v=HJp5hURPXuk (Los Hermanos Pinzones en Cristóbal Colón, de oficio descubridor, 1982)

La otra versión, en la que se basa la interpretación de Herrera en la novela, fue grabada en ritmo más latino por el músico y humorista argentino Horacio Fontova, como parte de su tercer álbum Fontova Y Sus Sobrinos, lanzado en 1985. Fontova, con una larga y prolífica carrera cómica y musical en Argentina (incluso reemplazó a Daniel Rabinovich en una gira de Les Luthiers cuando éste cayó enfermo) incluyó el famoso coro Colón, Colón y su hijo Cristobalito, por el cual la mayoría de personas que han escuchado alguna vez la canción, la recuerdan. Esta es la grabación de Fontova...

http://www.youtube.com/watch?v=0PdN6M4o3vg (Los Hermanos Pinzones, Horacio Fontova, 1985)

Este es el capítulo de Las Tontas No Van Al Cielo en el que aparecen Los Hermanos Pinzones. Para quienes no deseen verse todo el rollo, vayan directamente a los 8 minutos con 05 segundos.

http://www.youtube.com/watch?v=YYzASdOUMns&feature=related

Hasta la próxima...

WOODSTOCK: SÓLO QUEDA LA MÚSICA

WOODSTOCK: 39 AÑOS DESPUÉS

Rock In Rio, Lollapalooza, Glastonbury, Bonnaroo, Benicassim... todos estos festivales le deben algo a Woodstock y en esta semana de su aniversario número 39 era inevitable un post acerca de este evento contracultural que marcó la historia del rock y la vida de las casi 500,000 personas que allí estuvieron. En plena efervescencia del movimiento hippie, cuatro empresarios norteamericanos: Michael Lang, John Roberts, Joel Rosenman y Artie Kornfeld unieron sus esfuerzos y capitales para realizar un festival musical que reuniera a los mejores artistas del momento y que sirviera además como plataforma de reunión para que todo aquel contingente de jóvenes que, sobre la base de la filosofía pacifista, anti-bélica y pro-drogas que servía de trasfondo ideológico del hippismo, pudiera demostrarle a la sociedad establecida - el establishment - que podían realizar un multitudinario concierto sin problemas, sin violencia. Y en buena parte lo consiguieron aunque jamás imaginaron el impacto social y cultural que tendría su aventura.

Antes de Woodstock, el Monterey Pop Festival había congregado a casi 60,000 personas dos años antes, en 1967. Tras una fuerte campaña publicitaria, con anuncios en toda la prensa neoyorquina y habiéndose asegurado un lugar lo suificientemente grande - la hacienda de Bethel, propiedad de Max Yasgur, tenía un área de aproximadamente 600 acres (equivalentes a 240 hectáreas o 2.4 kilómetros cuadrados) - los organizadores habían calculado una asistencia máxima de 200,000 personas, lo cual les aseguraba una cuantiosa ganancia en venta de entradas. Pero la enorme expectativa generada por los conciertos hizo que la cantidad proyectada terminara duplicándose, ocasionando una serie de problemas logísticos y entre otras cosas, obligó a los organizadores a declarar que el ingreso sería gratuito, debido a los cientos de miles de jóvenes que llegaban de diversos estados, trasladándose en caravanas. Esta situación se salió por completo de las manos de los encargados del mega-concierto que vieron cómo se rebalsaban, literalmente, todas sus previsiones en cuanto a seguridad, orden, servicios higiénicos, etc...

Aún así, sobre la base del slogan del festival, fueron tres días de paz, amor y música, que pasarían a la historia como la expresión más completa de lo que significó el movimiento hippie. Los saldos son conocidos: dos nacimientos, tres muertes, uno de los congestionamientos vehiculares más increíbles que haya experimentado una carretera norteamericana, líneas telefónicas colapsadas durante tres días... y un conjunto de actuaciones memorables que quedaron registradas en un excelente álbum triple y el clásico documental, estrenado un año después, que lanzó al estrellato a bandas y artistas de diversos estilos y registros, que conforman una de las bandas sonoras más impresionantes jamás elaboradas para un fenómeno social.

Hoy abundan los análisis - algunos más apasionados que otros - acerca de las verdaderas motivaciones de las personas que lo organizaron, así como los debates con respecto a la real trascendencia del hippismo y su significado: ¿eran verdaderos ideólogos juveniles protestando contra la insensatez de los "grandes" o simplemente se trataba de una masiva manifestación egocéntrica y hedonista de una generación ansiosa por validar sus comportamientos al margen de lo socialmente aceptado? Lo más probable es que haya tenido de ambas cosas, pero más allá de cualquier opinión personal o de estudios descontextualizados, resulta fácil entender que en el mundo actual, mientras que asuntos como la paz y el amor continúan en una lucha permanente por no desaparecer - una lucha que, a juzgar por los desmanes de la administrción Bush o los últimos sucesos de Georgia, viene perdiendo en el balance general de acontecimientos - la música, sobre todo la que se hizo en esos tres días, aún vive entre nosotros, aún emociona, aún sorprende...

LOS ARTISTAS DE WOODSTOCK

En esta época de cantores urbanos, metrosexuales, andróginos y sumamente homogeneizados, es revitalizador ver por ejemplo a un descosido, desdentado y frenético Richie Havens, con su poderosa voz y su golpeada guitarra de palo, estremeciendo el escenario con sus lamentos Freedom y Sometimes I Feel Like A Motherless Child. Una de las imágenes que siempre me han fascinado de ese primer día de conciertos es ver cómo Havens se aleja del micrófono, inmerso en su rasgueo incansable, a pesar de haber roto una cuerda, cantando sin importarle si el público lo escucha o no... O por ejemplo la celestial y encantadora voz de Joan Baez, embarazada, entonando a capella Sweet Low Sweet Chariot, clásico himno de lucha por los derechos civiles, que se cantaba en las reservas indias del siglo 19. O esa joyita de Arlo Guthrie - hijo de Woody Guthrie, el padre musical de Dylan - titulada Coming Into Los Angeles. Además de los mencionados, aquel viernes 15 de agosto, desde las 5:17pm, desfilaron otros grandes trovadores como Melanie, Tim Hardin y The Incredible String Band, así como el maestro Ravi Shankar, que ya había cautivado a los rockers de la época con sus cítaras en el festival de Monterey.

El sábado 16, desde el mediodía - tras haber descansado casi toda la madrugada - la electricidad se fue apoderando del escenario y el mar humano que conformaba el público en Woodstock se aprestaba a ver en vivo a algunos de los artistas que marcaron a fuego el desarrollo del rock, como expresión artística de enorme carga emocional y poder de convocatoria. Ese día un cantautor algo relegado de las reseñas del género folk, líder comunitario y activista político, Country Joe McDonald, hizo cantar a todo el mundo su I Feel Like I'm Fixin' To Die Rag, una de las proclamas anti-Vietnam más directas del concierto. Posteriormente, el reflexivo y filosófico set de John Sebastian, uno de los abanderados de la onda musical de San Francisco, dio paso a una ráfaga desconocida para los norteamericanos, un sonido que los hizo enloquecer. Las congas y ritmos caribeños del guitarrista mexicano Carlos Santana (en aquel entonces un desconocido inmigrante de 21 años de edad) deben haberse escuchado como traidos del espacio en los oídos de los miles y miles de jóvenes, que, subidos en LSD y marihuana, sentían que cada nota les estremecía el alma y el cuerpo. Esa versión de Soul Sacrifice es una descarga de energía y talento musical indescriptible.

En la versión oficial del documental destacan del segundo día de festival (que se extendió hasta el amanecer del tercero) las actuaciones de Santana, Sly & The Familiy Stone (I'm going to take you higher) y The Who (con el excelente tema de la ópera Tommy, See Me Feel Me) que reflejan el espíritu psicodélico y la fuerza rockera desplegada con el público a tope, sobrepoblando los campamentos y haciendo colapsar cualquiera de las instalaciones que se abrían para los servicios básicos. Lamentablemente, diversos problemas nos impidieron apreciar en esta primera versión de la película las actuaciones de artistas como Janis Joplin (según cuenta Thelma Schoonmaker, editora y camarógrafa, hubo unos inconvenientes con la cinta que contenía el concierto de la extraordinaria intérprete de Ball And Chain), C. C. Revival (cuestiones contractuales no permitieron que los realizadores incluyeran canciones de la banda de John Fogerty) o The Grateful Dead (uno de los grupos más esperados del festival), cuyo concierto sufrió una serie de accidentes debido a la lluvia. El sonido falló permanentemente e incluso Jerry García y Bob Weir, líderes de la banda, recibieron descargas eléctricas de sus guitarras y micrófonos).

Aunque el programa oficial de conciertos anunciaba a Jefferson Airplane para "cerrar la noche" del sábado, lo que hizo la banda de Grace Slick fue abrir el domingo con sus alucinadas canciones, viñetas sonoras de la movida de la Costa Oeste. Ella recibe al público con un saludo en el que anuncia las canciones de ensueño tras los latigazos de electricidad que los ingleses liderados por Pete Townshend habían lanzado un par de horas antes. Eran las 6 de la mañana. Luego del receso, en el que los asistentes aprovechaban para dormir, comer, bañarse en el río o divertirse jugando en el lodo producido por la intensa lluvia, llegó el turno de Joe Cocker y su grupo, The Grease Band. Ninguna de las versiones que el inglés ha cantado en años posteriores supera a su interpretación, esa tarde, del clásico de The Beatles With A Little Help From My Friends. El tema, que en nuestro medio se hizo super conocido como cortina de la serie Los Años Maravillosos (que es un homenaje al espíritu libre y desprejuiciado de los 60s), es uno de los momentos cumbres del festival.

Luego de Cocker una fuerte tormenta interrumpió el desarrollo del evento que recomenzó unas horas después, con la guitarra de Alvin Lee y su grupo Ten Years After. I'm Going Home By Helicopter es un arrebatador rock and roll a mil por hora, que Lee interpreta en un estado de catarsis contagiante, aferrado a su Gretsch, solo frente al mundo. Esa noche pasaron por la arena de Bethel importantes grupos como The Band, Blood Sweat & Tears, Paul Butterfield y Johnny Winter, cuyas actuaciones no figuraron en la película pero que posteriormente pudieron verse en filmaciones de menor calidad. Otra de las máximas atracciones del festival, los debutantes Crosby Stills & Nash - con intermitentes apariciones de Neil Young, en especial en la parte eléctrica de su presentación - aparecieron sobre la tarima como portadores del nuevo sonido del folk norteamericano, casi a las 3 de la mañana. Armados únicamente de guitarras, (David) Crosby, (Stephen) Stills y (Graham) Nash pueden ser vistos interpretando su Suite Judy Blue Eyes. Finalmente, Jimi Hendrix con su recientemente formada Band Of Gypsies, irrumpió ante un público ya disminuido - la gente había comenzado a irse durante la madrugada - y su extraordinario set de canciones (que incluye la famosa alegoría al horror de la guerra, sobre la base de ráfagas de distorsión y electricidad lanzadas desde su guitarra blanca, en medio de su versión del himno nacional norteamericano) fue visto por una multitud exhausta, que quizás en ese momento no haya percibido el valor artístico de lo que, en ese preciso momento, estaba ocurriendo.

LOS ARTISTAS QUE NO TOCARON

La bitácora de las anécdotas e historias acerca del Festival de Woodstock es inmensa, pero hay algunas cosas realmente interesantes acerca de aquellos artistas que fueron invitados y no pudieron - o no quisieron - estar allí y formar parte de este histórico concierto:

- The Jeff Beck Group (Jeff Beck en guitarra, Rod Stewart en la voz, Ron Wood en el bajo y Aynsley Dunbar en batería) estuvo programado para tocar pero se separaron una semana antes.

- El manager de Joni Mitchell decidió no aceptar la invitación, porque pensó que sólo asistirían 500 personas. La compositora poco después compuso una canción dedicada al festival, llamada Woodstock, que se hizo famosa en la versión de Crosby Stills & Nash.

- Los organizadores llamaron a John Lennon para pedir que The Beatles tocaran pero Lennon exigió que también incluyeran la participación de The Plastic Ono Band, grupo donde cantaba su esposa, Yoko Ono. Los organizadores no lo volvieron a llamar.

- Jethro Tull rechazó la invitación. Su líder, Ian Anderson, dijo: "no quiero pasar todo mi fin de semana en un campo repleto de hippies que no se han bañado".

- The Mothers Of Invention recibieron una invitación, pero también declinaron. Frank Zappa rechazó la oferta: "Hay mucho barro en Woodstock".

- John Densmore, baterista de The Doors, puede ser visto en algunas escenas del concierto de Joe Cocker

- George Harrison declara en la colección Anthology de The Beatles que, en plena época de discusiones durante la grabación del álbum Let It Be, estar en Woodstock fue como un escape de la tensa realidad por la que estaba atravesando su banda.

ALGUNOS VIDEOS

Aquí algunos videos de lo que fue Woodstock: Three Days Of Peace Love & Music (15, 16, 17 y 18 de agosto de 1969):

http://www.youtube.com/watch?v=Q1pMeyy__r0 (Richie Havens, Freedom/Motherless Child)

http://www.youtube.com/watch?v=qsnUu71Viyo (Arlo Guthrie, Coming Into Los Angeles)

http://www.youtube.com/watch?v=6xhYk9PEmXA (Jefferson Airplane, White Rabbitt)

http://www.youtube.com/watch?v=6FMq0iDX1yE&feature=related (Joe Cocker, With A Little Help From My Friends)

http://www.youtube.com/watch?v=XnamP4-M9ko (Santana, Soul Sacrifice)

http://www.youtube.com/watch?v=Ck05ixICiak&feature=related (Jimi Hendrix, Guitar Improvisation)

Hasta la próxima...

EL OTOÑO DE ERIC ROHMER

Hola a todos... nuestro amigo, camarada freak y colaborador eficaz Alfonso González Vigil nos entrega - después de varias semanas - una substanciosa reseña del último film del octogenario director francés Éric Rohmer, editor de la histórica Cahiers du Cinéma, cuna de los principales representantes de la Nueva Ola Francesa como Jean-Luc Godard y François Truffaut, de la cual también es exponente. Rohmer (cuyo nombre verdadero es Jean-Marie Maurice Scherer) cerró con esta película su ciclo denominado Contes des quatre saisons (Cuentos de las cuatro estaciones), que recibió diversos galardones en los prestigiosos festivales de Berlín y Venecia. Que la disfruten:

"Cuento de Otoño
por Alfonso González Vigil.

Ahora quisiera recomendar a los lectores de Quiero Hablar una película que pueden ver en cualquier momento del año: Cuento de otoño (Conte d’automne, 1998) del maestro galo Eric Rohmer.

Eric Rohmer pertenece a esa notable estirpe francesa de la Nouvelle Vague. Con más de ochenta años de edad ha logrado cautivarnos con el manejo y precisión tanto en lo narrativo como en lo técnico-expresivo, características que podemos encontrar en buena parte de su filmografía.

Este activo sobreviviente nos ofrece la historia de Magali (Béatrice Romand), una mujer cuya madurez y viudez motiva su aislamiento e incomodidad hacia la vida social, centrando todo su tiempo y energía en su viñedo. Sin sospecharlo, dos de las personas más cercanas de su reducido círculo deciden dar fin a su soledad: Isabelle (Marie Rivière), su mejor amiga, la cual pone un aviso en la sección citas del diario local, llega al extremo de hacerse pasar por Magali con la misión de evaluar los candidatos hasta encontrar uno “adecuado” para su amiga. Asimismo, Rosina (Alexia Portal), pareja del hijo de Magali, se propone presentarle a su ex­-amante y profesor de filosofía de nombre Etienne (Didier Sandre). Isabelle utiliza al candidato Gérald (Alan Tibolt) por medio de engaños y como una suerte de termómetro que mida su capacidad de seducción y su atractivo hacia los hombres. Por su lado, Rosina choca con la voluntad de su ex­-amante para conquistar a Magali; a pesar del intento no consiguen el interés de la viuda y, por ende, Etienne desiste ante la esquiva oportunidad.

Ambos planes sufrirán contratiempos y desventuras. Sin embargo, cada iniciativa tendrá un singular desenlace. El arte dramatúrgico de Rohmer enseña que no hacen falta subtramas complicadas o giros inesperados en el guión, sino una anécdota simple, frontal y sin efectismos. La dirección de actores fluye con soltura, cada interpretación imprime espontaneidad apoyada en la riqueza de los diálogos que separan e identifican las heterogéneas personalidades de los protagonistas. Igualmente, en el aspecto psicológico hallamos: las diferencias entre las contemporáneas Magali e Isabelle, la primera destaca por su timidez y la segunda muestra extroversión, mientras aquella realiza actividades que le ayuden a olvidar el paso del tiempo, ésta apenas atiende su librería (en cambio Magali atesora su viñedo); pero, eso sí, más allá de la frivolidad de Isabelle, ella rompe la imagen banal al optar por la búsqueda de un pretendiente para Magali. Comprueba que aún puede pensar en otra persona que no sea su hija (pronta a casarse) o ella misma.

Esta genial película de Rohmer trasciende los esquematismos, maniqueísmos o artificios visuales; incluso esboza la posibilidad de la tolerancia entre clases sociales (por demás los prejuicios sociales suenan desfasados en el mundo actual) y entre quienes existe rivalidad sentimental, desconfianza, etc.

Cuento de otoño cierra con maestría la serie de Cuentos de las 4 Estaciones. La culminación de la saga se ha hecho esperar, no obstante valió la pena. Confirmamos que los grandes de la historia del cine (Ford, Hawks, Hitchcock, Kubrick, etc.) suelen regalarnos una obra maestra en su etapa de madurez, y qué mejor que una dedicada al otoño, estación de la cosecha, de cambios, así como de expectación."

Gracias Alfonso... saludos y hasta la próxima...

SOLZHENYTSIN: LA VOZ DEL CAMBIO RUSO

Hace dos días falleció Alekandr I. Solzhenytsin a los 89 años. Este escritor ruso pasará a la historia como uno de los artífices del que quizás sea el testimonio más desgarrador de un sobreviviente a las torturas que el sanguinario gobierno de Joseph Stalin aplicó a quienes consideraba sua adversarios políticos, lo fueran o no, en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Nacido en 1918, Solzhenytsin sirvió en el Ejército Rojo durante la guerra pero fue apresado en 1945 por delito de "propaganda anti-soviética".

El escritor, que había estudiado matemáticas en la Universidad del Estado de Rostov y algunos cursos por correspondencia de filosofía, literatura e historia, pasó 11 años de su vida en un campo de concentración en la prisión de Lutbyanka, ubicada en el Archipiélago Gulag, lugar en el que los prisioneros fueron sometidos a las más aberrantes y terribles torturas que se puedan imaginar. Solzhenytsin compiló todas sus experiencias en su monumental obra El Archipiélago Gulag, publicada tras recibir el Premio Nobel de Literatura en 1970, mientras se encontraba en el exilio luego de su liberación en 1956. La obra, que recoge no solo sus testimonios sino también el de 227 prisioneros sobrevivientes a los encierros, constituye uno de lo mayores hitos de la literatura rusa contemporánea. Quienes hayan tenido la suerte de leer El Archipiélago Gulag pueden llegar a comprender el valor de este personaje, al tener que pasar al papel tan horribles recuerdos.

En 1974 fue deportado y se le retiró la nacionalidad rusa. Vivió en Frankfurt, Alemania bajo la protección del cellista ruso Mstislav Rostropovich (fallecido el año pasado), que a su vez era constantemente hostilizado por su apoyo al escritor. Recién en 1990 con los cambios impulsados por Mikhail Gorbachov, Solzhenytsin recibió nuevamente su nacionalidad y se le permitió el ingreso a su país. Durante sus últimos años, Solzhenytsin mantuvo una constante actividad literaria, repartiendo su tiempo entre los escritos de ficción y los análisis filosóficos y políticos, como referente importante del debate de ideas en la nueva Rusia.

Principales obras: Un día en la vida de Ivan Denisovich (1962), Incidente en la Estación Krechetovka (1963), El Archipiélago Gulag (escrita entre 1963 y 1968, publicada en Occidente en 1973 y en Rusia por primera vez en 1990), El primer círculo (1968), Reconstruyendo Rusia (1990), 200 años juntos (su última publicación en el 2003), entre muchas otras.

Lean este excelente artículo que Mario Vargas Llosa publicó sobre Solzhenytsin en la edición de El Comercio del domingo 10 de agosto_

http://www.elcomercio.com.pe/edicionimpresa/Html/2008-08-10/alexandr-solzhenitsin.html